FUNÁMBULOS

Genealogía del objeto

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Thu, 15 Dec 2011 00:19:00 +0000

Por Mónica Berman

Ana Alvarado y Carolina Ruy vuelven a organizar un encuentro que nace de los objetos, en un sentido bastante literal, por eso el evento se llama “Genealogía del objeto en las artes” y tendrá lugar en el Espacio Ecléctico los días 15, 16 y 17 de diciembre en Espacio Ecléctico, Humberto Primo 730, desde las 20 a las 23:30 hs.

¿Con qué objetivo lo organizan?

Con el objetivo de provocar el encuentro entre los artistas y el público que se interesan o disfrutan de universo lúdico de lo objetal. El ciclo está pensado para público adulto pero convoca a todas las edades porque los objetos son por su presencia o por la evocación del pasado que provocan muy atractivos.

Están reincidiendo ¿cómo les fue en la propuesta anterior? ¿cómo respondió el público?

El encuentro anterior fue muy exitoso. Tuvimos sala llena en todos los horarios y opciones y el público fue muy activo. Cuando se trataba de probar los pequeños robots o tocar un objeto instalado o mirar por un visor participaban y se divertían y cuando había que sentarse a ver teatro de títeres y objetos cumplían el rito convencional sin problema.

¿Cuál es el criterio de selección? ¿cómo eligieron el material a presentar?

La elección recae sobre nosotras mismas. Tratamos de que el material que se presenta tenga algún aspecto novedoso en su formato y que todos los trabajos le den a los objetos, sean estos similares a un títere o drásticamente alejados de esa idea, un carácter protagónico en la obra, sea esta performática o audiovisual. Muchos de los participantes han sido colegas o alumnos nuestros pero otros son convocados por nosotras porque conocemos su trabajo o los visitamos por recomendación de otros artistas.

¿Por qué lo llamaron “Genealogía del objeto”?

Se puede ver en el diseño del programa un árbol genealógico que trata de dar cuenta del devenir vivido por el objeto en las artes, fundamentalmente a partir de las primeras décadas del siglo XX algunas de las ramas pueden denominarse "Objeto Devenido teatral" o "Animado con tecnología". Tratamos de que en los distintos ciclos todos los ramales estén representados.

La invitación a sorprenderse está hecha, a disfrutar entonces de este encuentro con los objetos.

Foro sobre Producción Escénica en Iberamérica. Charla con Gustavo Schraier

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sun, 20 Nov 2011 23:53:00 +0000

Por Andrea Hanna

Entre el 5 y el 10 de diciembre, organizado por el CELCIT -Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral-, Moreno 431, tendrá lugar en el 2º FORO SOBRE LA PRODUCCIÓN ESCÉNICA EN IBEROAMERICA.

Las actividades gratuitas incluyen mesas temáticas y presentación de publicaciones especializadas. Los talleres arancelados estarán a cargo de expositores internacionales como André Carreira de Brasil, Antonio Pirozzi de Chile, Miguel Ángel Pérez Martín de España, Marisa de León y Silvia Peláez de México y Gerardo Grieco de Uruguay.

Por argentina participarán Carlos Ianni y Gustavo Schraier.

Funámbulos conversó con Gustavo Schraier, productor teatral ejecutivo y artístico, docente de gestión y producción escénica y coordinador académico de este 2º Foro sobre la Producción Escénica en Iberoamérica.

¿Gustavo, qué motiva en 2009 la realización del 1er. Foro de producción escénica que se llevó a cabo en México?

El 1er. Foro sobre la Producción Escénica en Iberoamérica de México surgió a instancias de las gestoras, productoras escénicas y docentes Marisa de León y Silvia Peláez de México quienes, preocupadas por lo que ellas consideraban serias carencias en la formación y profesionalización en la producción escénica iberoamericana, encontraron en Miguel Ángel Pérez Martín de España y en mí, a dos gestores, productores y docentes que compartían sus mismas inquietudes. A partir de ese punto en común, Marisa y Silvia, como coordinadoras académicas, generaron este primer encuentro al que nos invitaron a participar, junto con el recientemente fallecido Carlos Elia, y que se desarrolló en el marco de la 4ª Muestra de Artes Escénicas que organizó en 2009 la Coordinación del Sistema de Teatro de la Ciudad de México, dependiente de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal.

Tanto en ese primer foro como en el encuentro que lo sucedió, en México también, la intención fue la de reunir a especialistas de la gestión y la producción escénica iberoamericana con la comunidad artística local con la intención de propiciar el diálogo, la reflexión y el intercambio de opiniones, experiencias y métodos de trabajo así como ahondar en aspectos referidos a la formación y a la profesionalización del sector a través de muy diversas actividades de las que participaron 400 y 1000 asistentes respectivamente.

¿Cuáles son los objetivos de este 2do Foro? ¿La elección de Argentina como sede obedece a alguna cuestión en particular?

Conociendo lo que generó aquel primer foro y motivado por las mismas inquietudes que generaron ese primer encuentro de México, Carlos Ianni, director del CELCIT, me propuso co organizar juntos este Segundo Foro que se desarrollará en la sede de la institución en Moreno 431, Ciudad de Buenos Aires, del 5 al 10 de diciembre de 2011.

Los objetivos de este 2º Foro, del que soy coordinador académico, son fundamentalmente los de profundizar y dar continuidad a los procesos iniciados en la ciudad de México con el Primer Foro sobre la Producción Escénica en Iberoamérica (2009) y el 1º Congreso Iberoamericano de Productores Escénicos (2010). En esta ocasión y además del comité académico conformado por Marisa de León y Silvia Peláez de México, Miguel Ángel Pérez Martín de España y por mí, participarán otros renombrados especialistas de la gestión y la producción escénica iberoamericana como Antonino Pirozzi de Chile, André Carreira de Brasil, Gerardo Grieco de Uruguay y por supuesto, nuestro anfitrión, Carlos Ianni.

La elección de Buenos Aires, Argentina responde a un criterio del comité que pretende que estos encuentros sean itinerantes dentro de la órbita de los países iberoamericanos y que intenta que cada uno de los especialistas que participamos, pueda tomar la posta del encuentro siguiente. En ese sentido, nuestro próximo paso será llevar a cabo en 2012 el 2º Congreso Iberoamericano de Productores Escénicos en España que tendrá a Pérez Martín como responsable. Ya veremos que sucede en 2013 y 2014 pero, por ahora, hay varios interesados.

¿Se está pensando en armar algún tipo de red latinoamericana para el sector? ¿Si es así, qué características están pensando que debería tener?

No quisiera hablar en nombre del comité pero, de tener que hacerlo, podría decir que siempre está dentro de nuestras intenciones la de tender redes y circuitos con otros especialistas donde poder reflexionar sobre la formación y la profesionalización a través de esta serie de encuentros con las comunidades artísticas locales.

En cualquier caso, la pretensión del comité, para los encuentros pasados y los futuros, es la de encontrar a productores ejecutivos y gestores teatrales en actividad, que sean docentes de alguna de las ramas de la especialidad (gestión, producción ejecutiva, distribución de bienes artísticos, marketing, públicos, etc.) y en lo posible, que tengan publicaciones editadas, ya sea en impreso o digital, es decir con un corpus teórico que sustente nuestra práctica diaria.

2do Foro sobre la producción escénica en Iberoamérica

Del lunes 5 al sábado 10 de diciembre de 2011

Lugar: Celcit- www.celcit.org.ar

Dirección: Moreno 431

Informes e inscripción: 4342-1026 - correo@celcit.org.ar

Horario de atención: Lunes a sábados de 10 a 13; lunes a jueves de 18 a 21

Se viene el número 35

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sat, 29 Oct 2011 02:20:00 +0000

TIREN CONTRA LA CRÍTICA

Encuestas. Opiniones. Mirada. Ética. Medios masivos. Condicionamientos. Archivo. Utilidad. Inutilidad. Carácter publicitario.
Y la publicación de El viento en un violín, de Claudio Tolcachir

La crítica no deseada. Por Federico Irazábal.
¿Y si la crítica no sirviera para nada? Por Ana Durán
La voz que dice, la voz que calla. Por Malala González
Una voz entre otras voces. Por Mónica Berman
Dos que son uno. Por Gabriel Peralta
Ser o no ser. Sonia Jaroslavsky y Natalia Laube
Extraña pareja. Por Edith Scher
Mirar a los que miran. Por Leni González

NINA Y EL DESEO

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Fri, 28 Oct 2011 22:02:00 +0000

Por Sonia Jaroslavsky

Un encuentro con la actriz María Figueras antes de su viaje a Francia que con Los hijos se han dormido de Daniel Veronese se presentarán en el Festival de Otoño de París.

María Figueras, una vez más encarna los personajes de Chejov. En Los hijos se han dormido de Daniel Veronese, versión de La Gaviota de Chejov, es Nina Sarechnaia.

“Los textos de Chejov son muy opinados. Pareciera que todos saben cómo se hace a Chejov. Es lógico que suceda esto porque son materiales que se utilizan mucho en los talleres de teatro, son grandes clásicos. De hecho, en las clases de Juan Carlos Gené o Augusto Fernández he tenido el placer de hacer estos textos. Creo que La Gaviota siempre fue el más complejo de los textos en la dramaturgia de Chejov. Es una obra que tiene muchas capas y que hay que saber cómo develarlas, es una obra muy frágil: es como que una vez que lográs asirla se te va, y cuando volvés a empezar y la tenés ahí, se te vuelve a ir. Tal vez suceda que pase esto porque habla de la creación y del misterio de la creación, y de nuestra jerga teatral: de lo qué es el éxito, de la mirada del otro, si el otro te define o no…También habla de la frustración, de la creación, de la aprobación. Creo que en La Gaviota están todos los fantasmas del autor ruso ahí metidos: la mujer de él que también era actriz, el hijo que ellos perdieron. La Gaviota, en el proceso de ensayos me hizo preguntarme mucho sobre la profesión, sobre el deseo de actuar, qué es ser un artista.

-El personaje de Nina está en un momento que está por definir su vocación…

M.F.: Creo que si Trigorin no hubiera llegado a esa finca no sé si Nina se hubiera animado a dar ese salto hacia la actuación. Lo que sucede es que se enamora de él, se enamora de todo lo que tiene que ver con él, incluso sus obras, su teatro, todo. Se enamora de un tipo que dice que no le gustan sus obras. Ella es muy chica y se obnubila con la idea del escritor con sus fantasmas en constante conflicto. Gracias a Trigorin se apodera de ella una especie de destape intelectual. Se enamora de él y de todo lo que él representa y de lo que se imagina de ella al lado de una persona como él, todo eso la entusiasma. Al final de la obra, su único consuelo va a ser aquella vocación, la actuación, para seguir viviendo, a pesar del dolor. Pero no hay que engañarse con Nina: ella no quiere ser sólo una actriz reconocida sino que en el fondo está en una búsqueda, quiere bucear más allá. Es maravilloso todo lo que ella dice y justo en estos tiempos, donde pareciera que todo es mediático y sino sos mirado no existís, que es el gran problema del actor. Me parece que pone de relieve la creatividad del actor y la necesidad de la mirada, del público, no por el éxito sino como parte constitutiva del teatro: con el otro. Ella está en una búsqueda estética, de sentimientos y lo pone en práctica. Es un personaje impresionante porque es la heroína y tiene un final muy difícil porque no se tiene que victimizar, no tiene que sufrir de más porque ya sufrió, ya está curtida, y vuelve a la finca porque tiene que cerrar una historia para seguir después con su vida. Son bastante fantasmales los personajes. Es el devenir de un sueño, con las emociones a flor de piel y todo muy condensado, como me dijo una vez un amigo.

-¿Cómo es trabajar con los mismos compañeros actores en tantas obras?

M.F.: Me encanta. Con Osmar Nuñez ya hemos sido amantes, pareja, tío y sobrina, hemos sido de todo. Nos miramos a los ojos y ya sabemos todo del otro. Es muy placentero porque podés descansar en tus compañeros y compañeras y viceversa. Con Carlos Portaluppi y Ana Garibaldi también, pero en esta obra no nos toca interactuar tanto. Es muy lindo verlos también en escena en otro personaje porque descubrir otras faceta actoral no pensaste que tenían. Además, no hay ningún tipo de divismo porque hay una idea coral del trabajo de los actores en la puesta, todo es muy de equipo.

- Me contaste al pasar que querías comenzar a dirigir. ¿Cómo es eso?

M.F.: Sí, tengo ganas de empezar a dirigir. Es una de las cosas que tengo ganas de hacer. Me estoy juntando con un grupo de actrices y bailarinas y estamos investigando sobre hechos de violencia, de violencia cotidiana y cómo eso repercute en las mujeres y en la familia. Pensar en los hechos concretos de violencia cotidiana e ir más allá de las palabras. Es por eso que seguramente abordemos este trabajo desde un lenguaje corporal, de danza-teatro.

Picadito con Guillermo Calderón. FIBA 2011

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Fri, 28 Oct 2011 21:56:00 +0000

Por Sonia Jaroslavsky

-Desde Neva, Clase y Diciembre, qué camino de reflexión, de ideas, de ideas-teatro, y de vivencias se configuraron en Villa + Discurso:

Guillermo Calderón: Quería hacer algo más complejo desde el punto de vista de las ideas de la obra y simplificar el escenario y el trabajo de la actuación. Además, llegó la derecha al poder y eso le da un nuevo impulso político a la escritura. Creo que sentí más fuerte la necesidad de que mis personajes se desahogaran hablando de política.

-¿Cómo fue el proceso creativo en uno y otro caso?

G.C.: Escribí la obra Discurso durante los últimos meses de gobierno de Bachelet. Luego me di cuenta que necesitaba poner ese discurso en un contexto y escribí Villa durante los ensayos. Casi todo el proceso consistió en darle a las actuaciones la simpleza y fuerza que necesita la obra.

- ¿Cómo trabajás con las actrices?

G.C.: Lo más importante es partir desde el cuerpo y las ideas de las mismas actrices. Luego de eso hay un proceso en el que el discurso político vaya definiendo sutilmente la forma en que se actúan estas obras. Es un momento en que discutimos cada detalle de la actuación, de la puesta en escena, para que exprese claramente las ideas que queremos trabajar. Es un trabajo de resistencia en que las actrices prueban todo y discuten todo. Cuando llegamos a la simpleza máxima sabemos que la obra está lista porque las ideas han quedado en el primer plano.

-Las obras se presentan como separadas. En qué punto lo son y en qué punto no son piezas únicas.

G.C.: Son piezas únicas, pero es necesario verlas consecutivamente para comprender mejor el significado de Bachelet para la historia de la represión en Chile.

-¿Actualmente estás escribiendo o dirigiendo otros trabajos?

Estoy escribiendo una obra que voy a estrenar en el Dusseldorf Schauspielhaus en el 2012.

-¿Cómo fue la recepción de Villa + Discurso en Chile y qué expectativas tenés con su presentación en Buenos Aires?

La recepción el Chile fue muy buena. El público agradeció la posibilidad de volver a pensar en estos temas. Creo que en Buenos Aires estas obras van a ser comprendidas profundamente por la historia lamentable que compartimos. Mi experiencia en el FIBA anterior fue buenísima, así que ahora espero lo mismo.

UN CAFÉ DOBLE , POR FAVOR

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Thu, 01 Sep 2011 14:00:00 +0000

Por Barbara Schtirbu

Con mucho trabajo, escribiendo un guión, preparando nuevas obras y reestrenando otras, Lautaro Vilo necesita cafeína. A sus 34 años dice que su trabajo como dramaturgo evoluciona hacia la búsqueda de un texto más musical, que suene bien, búsqueda compleja a la que poco a poco va acercándose con cada obra nueva.

Caballito, 15:10, sábado a la tarde.

“Pará, acá había un bar”, me dice sorprendido de no encontrarlo en esa esquina, como si alguien se lo hubiese llevado sin avisar. El bar seguía en el mismo lugar, claro, sólo que una cuadra más allá, frente al Parque Rivadavia. Bastante concurrido, pero con algunas mesas todavía desocupadas. Lo dejo decidir dónde quiere sentarse y esa libertad de elección lo entusiasma y al mismo tiempo lo inquieta. Elegir LA MESA se vuelve, de repente, una tarea importante.

Lautaro es generoso con la devolución de cada pregunta y enseguida uno siente que está aprovechándose de su conocimiento, llevándose más de lo que debería, aprendiendo más de lo que esperaba.

¿Qué te conmueve hoy?

La ternura de los padres con los hijos. Eso es algo que a uno le empieza a conmover con la adultez. En todo caso, cuando los de tu generación empiezan a tener hijos. Y entonces hay una serie de relatos en relación a la ternura que me conmueven mucho más.

¿Qué sería un relato en relación a la ternura?

Estoy buscando otras resonancias, mitificar sobre otras sensaciones humanas. Me da mucho pudor hablar de estas cosas porque es muy intuitivo. Pero a veces, construyendo un relato, uno encuentra que el relato habla más allá de lo que uno buscaba o del lugar al que uno creía que iba a llegar. Me pasó con LA GRACIA, que supuso para mí encontrar otro tipo de relato, más niveles de resonancia poética que a mí me interesan, una obra sórdida y muy religiosa. Creo que de alguna manera lo que se está agudizando quizá es esta posibilidad de detectar paradojas. Situaciones que son más insalvables porque como permanecen en su contradicción son más inquietantes. Yo descubro que en cierta parte de mis primeras escrituras hay un trabajo y un interés sobre una zona de la violencia en las relaciones que es una zona que he transitado poéticamente, me encanta, me llama mucho la atención. De hecho pienso que es fundante de lo teatral y eso ahora se está desplazando hacia otros tipos de situaciones posibles y estoy buscando o prestándole atención a otros tipos de autores a otro tipo de películas.

“Los grandes autores suenan bien.”

La música también es una cosa que me está conmoviendo cada vez más. Estoy estudiando, tomo clases. Creo que el refugio de la poesía son las letras de las canciones. No puedo acometer la lectura de un libro de poesía. No me sale, no tengo la generosidad del lector de ir completando todos esos momentos, pero sí me pasa que la poesía que más me ha conmovido es la poesía que escucho en canciones.

El otro día leí una entrevista al líder de los Kinks: -“la canción es un elemento artístico impresionante”, -decía. Coincido con eso. Muchas veces es una historia y una sensación sobre esa historia en 3 minutos, que conmueve, eso es muy maravilloso. Es un terreno que a mí me interesa explorar, cómo poder imbricar lo que sucede en el teatro con algo del orden de lo musical sin hacer teatro musical, lo que se presenta en la cartelera hoy como teatro musical. En mis textos está la búsqueda, que los textos tengan una sonoridad muy elocuente, que haya un ejercicio sobre eso, las formas del decir, los sonidos. Los grandes autores suenan bien. Escuchás un texto de Discépolo y la lectura suena perfecta, hay un sonido, de época y en ese sentido a mí me interesa trabajar ese aspecto, entrecruzar esos elementos. Porque aparte, me parece que la música tiene una inmediatez que es alucinante y ahí volvemos al tema de Conmover, la música es inevitable, uno no puede evitarla sensorialmente. Si una música es mala, es una molestia. Yo, al menos. Nunca entendí a la gente que dice “Yo pongo la radio”, cuando le preguntás qué música les gusta. Ese tipo de gente me parece despreciable, me parecen MUTILADOS EMOCIONALES.

Hay una banda que se llama Tool, que tiene una canción que habla de la sombra* que es increíble y que últimamente escucho y vuelvo a escuchar.

*Estuve gateando en mi barriga,

aclarando qué pudo haber sido.
Estuve revolcándome en mis propias confusas
e inseguras ilusiones
Por una pieza para contradecirme,
o una palabra para dirigirme dentro.
Quiero sentir los cambios viniendo.
Quiero saber en qué me he estado escondiendo.

(Fragmento de “46&2”. Tool)

¿Convivís bien con vos mismo?

(Se ríe) Sí, creo que sí. Es decir, llevar adelante lo que llevo adelante, conservar las inquietudes y poder desarrollarlas es una bendición. Soy muy agradecido de lo que me ha pasado, de la generosidad que han tenido conmigo, de lo que me ha deparado la vida, qué se yo. Yo empecé a dar clases de Dramaturgia porque me lo ofrecieron. Tenía otras ideas, iba a ser actor y nada más... y la vida te va llevando. Encontrás otras zonas y otras proposiciones. SI VOS TE ANIMÁS, YO ME ANIMO. Cuando fue lo de rey Lear, Rubén* sabía que yo sabía inglés y entonces me propuso traducir Lear.

Ya que mencionaste tu trabajo con Lear…

Para mí fue todo un momento compartir la versión con Rubén, poder ver cómo él pensaba la escena, el intercambio de ideas. Siempre hay algo que para mí es muy valioso. Es uno de los pocos directores que tiene un conocimiento profundo de cómo funciona un texto como materia y que es muy cuidadoso de eso. “El traductor es un pica piedra literario” (sonríe encantado de su nueva frase y la repite) “El traductor es un pica piedra literario total. Traducir una obra del texto original te hace comprender muy profundamente el material en relación de los movimientos. Incluso en una obra imperfecta como Lear que es una obra construida a hachazos. Pero incluso siendo así, estás en contacto con las palabras y con el trabajo de pasar las palabras a una efectividad posible acá.

Cuando me encuentro con el texto de Shakespeare, me encontraba con un texto que tiene una poesía muy asible. Los momentos líricos en Shakespeare no son momentos rebuscados, aparecen de una manera natural. Lo que tratábamos de laburar en Lear es con el presupuesto que esto tiene que gustarle a mucha gente. Pensar cuál es la distancia óptima que necesita la traducción. Tiene que sonar muy cercana y a la vez tiene que sonar distante porque no tiene que parecer que Shakespeare está en Rodriguez Peña y Corrientes, entonces el tema era encontrar en eso y en la sucesión de las frases, encontrar el punto y ese es un laburo que a mí me divierte mucho. En realidad uno siempre hace una versión.

¿Sobre qué giran tus obras? ¿Hay un tema que se repite?

Creo que me equivoco si digo de qué tratan mis obras. En realidad, más que un tema, yo creo que las obras conviven muchos temas y que quizás lo que se puede repetir es un tono, o algunas imágenes con cierto parentezco. En varias de mis obras hay hechos truculentos. Me gusta leer sobre un asesinato, me hace gracia. Pero lo que a mi realmente me interesa es que las obras tengan una cantidad lo más grande posible de circunstancias a imaginar. En Un acto de comunión, lo que me gustaba era la historia. Un tipo se cita con otro por Internet, es un caníbal declarado y se ofrece para que se lo coma. Ya está, eso para mí ya es un mito en potencia. A mí me parece que ahí hay algo que “guau”, “amazing, amazing stories”. Después aparecen otras niveles en la historia, en el relato. “Un acto de comunión” no trataba sobre el canibalismo, o solamente sobre el canibalismo. Yo creo que hablaba sobre la soledad y sobre varias cosas más.

¿Y ahora?

Ahora estamos en El Kafka con “23.344”, todos los viernes a las 21 hs. Es una obra que escribí hace mucho tiempo. Estoy contento con el proceso y con el material que surgió, aparecieron muchas inquietudes en relación a procedimientos teatrales. En realidad yo la escribí en relación al tabaco y al grupo de amigos y cuando decidí ponerla en escena encontramos en la esgrima una plataforma de situación que conectaba estos monólogos. Vamos los viernes a las 21 en el Espacio Teatral ElKafka. Y para fin de año voy a estrenar en México un trabajo que se va a llamar Escandinavia y en el que actúa Rubén Szuchmacher.

A los que quieran contactar a Lautaro por sus obras o talleres, lo encuentran en www.tallerdramaturgia.blogspot.com

Foto: Antú Fernández

El peor de los públicos

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Tue, 23 Aug 2011 13:30:00 +0000

Por Malala González

¿Qué decir de nuevo cuando una obra ya va por su tercera temporada? Tal vez, para empezar, sería bueno comentar algo al respeto de ese acontecimiento: su permanencia. El peor de los públicos, de Binetti y Lisfchitz, es una obra que ha reanudado sus funciones por tercer año consecutivo, y en esta última oportunidad ha cambiado de sala teatral (Espacio Polonia, los sábados a las 21hs). Es entendible, entonces, que durante todo este tiempo hayan sido varias las críticas que han reseñado y/o dado cuenta de la labor de Binetti (como director y co-autor de la pieza) y de Lifschitz (como actor y co-autor). Sin embargo, me interesa rescatar un aspecto sobre el que algunas de ellas se han percatado: la cuestión de ser un unipersonal bastante particular. Veamos el porqué: Para contrarrestar a la nomenclatura de géneros o estilos dramáticos, esta obra no es (del todo) un unipersonal en el que actúa un sólo personaje parlante sino que, y aquí va su particular dispositivo, junto a éste aparece otro personaje: un muerto a su lado. De esta manera, El peor... se estructura a partir de dos personajes: uno vivo y otro muerto. Uno que maquilla y prepara al fallecido para su velorio, y el otro que aguarda, bien quietito, ser preparado. Atilio es el que lleva adelante la acción, pero sin duda, es José Luis Albornoz quien debe estar para que Atilio adquiera existencia. Y viceversa.

El espacio de trabajo que vemos, siempre el mismo, se va nutriendo de sentidos. Porque, a medida que Atilio acciona sobre el cadáver de José Luis, tienen lugar las anécdotas, los recuerdos del exilio y de la guerra, del océano y el viaje, de la vida y la familia. Un trabajo que Atilio heredó. Una profesión solitaria, dura, aprehendida en esas manos que preparan para una función final. Mientras que la vida que trae consigo José Luis resulta bien diferente. Al haber sido un actor de cine aparecen imaginarios relativos a la actuación, a cierto ámbito más social y de mayor exposición que aquel que compete a Atilio. Entonces, no sólo es la vida y la muerte la que los diferencia, sino que desde el relato mismo el antagonismo de sus vidas también se contrapone. Una estructura díptica de opuestos, capaz de generar reflexión, y por qué no, capaz de volverse nostálgica o entrañable. Una dramaturgia construida en dupla en la que también tiene lugar el humor.

Así, el dispositivo creado para no cortar con la cuarta pared, brilla en su esplendor. Y esa genialidad se disfruta. Por eso no es un monólogo parecido a otros, sino que allí radica la originalidad del suceso, en poder crear un verosímil teatral capaz de hacernos ver a un solo personaje parlante y no por ello tener que pensar que está hablando “solo”.

Por último, tres detalles para apuntar: la actuación contundente de Lifschitz, la armónica y precisa dirección de Binetti que hila escénicamente cada instante y la creación formidable del querido José Luis realizada por Norberto Laino. Tres coordenadas que acordaron para dar lugar a una pieza que se recomienda y mucho.

Ficha técnica:

Dramaturgia: Andrés Binetti y Alejandro Lifschitz. Actúa: Alejandro Lifschitz. Dirección: Andrés Binetti.

http://www.alternativateatral.com/obra14505-el-peor-de-los-publicos

Catán

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sat, 20 Aug 2011 21:45:00 +0000

Por Malala González

En tiempos donde la desterritorialización y la globalización son materia corriente, Catán de Javier Dubra retoma la idea de lo propio y del pertenecer a un lugar, en este caso González Catán. Esta localidad/barrio, le sirve a Dubra para nombrar y recrear un panorama que, en primer lugar, nos resulta identificable. Pero veamos: se trata de un barrio en el que lejos quedó el fiado del panadero o verdulero, o el saludo entre los vecinos. En este Catán todo parece trastocado y nada parece justo. Ningún sueño parece cumplido y cierta fractura social se viene a imponer. Los personajes son seis jóvenes adultos que viven o vivieron allí y que en nada se parecen a cuando eran chicos y jugaban juntos en la calle. Simplemente porque la vida pasó. Ellos son: un matrimonio con una hija, una amiga vecina, dos patrones hermanos de ojos claros y una hermana que vuelve (después de mucho tiempo) a la casa familiar.

Sin instalarse en un escepticismo irrevocable, es el humor el que nos corre de las circunstancias dadas para contar lo que pasa allí. De esta manera, sin apelar a solemnidades o recuerdos de infancia fortuitos, Catán brinda un panorama bien cotidiano y realistamente construido. Los diálogos y modos de hablar de cada personaje resultan bien verosímiles, al tiempo que se vuelven factibles de ser reconocidos por cualquier espectador. Pero, ¡ojo! No es a partir de la parodia que los retratan, sino que hay un convencimiento en ese modo de decir/hacer/moverse, mientras permiten traslucir el padecimiento que compete a cada uno. La historia tiene lugar siempre en el comedor de una vieja casa (donde el espacio teatral resulta bien apropiado, puesto que se realiza en Defensores de Bravard), y a partir de entradas y salidas, nos enteramos de sus vidas, de sus destinos adquiridos, de sus frustraciones y descontentos. Un intento de poner en cuestionamiento cierta infelicidad provocada por el agobio y la rutina. Infelicidad rescatada, de algún modo, por la amistad.

Para destacar, principalmente: los diálogos y las actuaciones, que se vuelven pilares sobre los cuales se asienta la risa y la cotidianidad desplegada. El registro actoral se instala allí, y cada uno juega su rol con tamaña soltura. Se vislumbra cómo los seis actores entienden el juego, y pudiendo improvisar sobre lo escrito, se ve cómo disfrutan de estar trabajando juntos. Si bien la anécdota termina siendo simple, no por ello resulta menor, porque consideramos que hacia lo pequeño, lo cotidiano, lo que puede pasar desapercibido, hacia allí Catán apunta. Sin duda, es una muy buena obra, donde la risa desmesurada (generada en el público, y que se agradece) puede superar el llanto de tanta miseria social. Hay que verla.

Elenco: Diego Benedetto, Luis Contreras, Laura Espinola, Cecilia Rainero, Paula Schiavon y Carla Segalini. Dirección: Javier Dubra.

http://www.alternativateatral.com/obra18482-catan

Salió FUNAMBULOS 34

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Wed, 08 Jun 2011 15:43:00 +0000

TEATRO PROCESUAL

Teatro procesual. Por Federico Irazábal
Actuación procesual. Por Karina Mauro
In progress. Por Natalia Laube y Malala González
La noción de obra. Por Mónica Berman
Fuerzas que se unen. Entrevista a Roberto Perinelli. Por Gabriel Peralta
Óperas primas. Por Lucho Bordegaray
Maruja Bustamante. Entrevista por Leni González

Lo que vendrá

Obra publicada: Paraná Porá, de Maruja Bustamante

Bienvenidos al espacio CRÍTICAS de FUNÁMBULOS

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Tue, 05 Apr 2011 22:45:00 +0000

Ahora podés consultar qué opinan los periodistas de FUNÁMBULOS de las obras que están en cartel.
Manipulaciones II, de Diego Starosta
Lisboa, de Mariela Asensio
La Parka, de Diego Corán Oria y Francisco Scarpelli
El diario de Carmen, de Luis Cano
Mujer armada, hombre dormido, de Martín Flores Cárdenas

HACÉ CLICK EN CRÍTICAS

Funámbulos 33- NÚMERO ESPECIAL

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Tue, 05 Apr 2011 02:01:00 +0000

Editorial. Por Ana Durán y Federico Irazábal
La década 0. Por María Pia López
Un nuevo espacio. Por Federico Irazábal
El fin de una era. Por Ana Durán y Sonia Jaroslavsky
Crear un mundo. Por Alejandro Catalán
Actores en tránsito. Entrevista con Rubén Szuchmacher
Teatro, lo tuyo es puro teatro. Entrevista con Alejandro Tantanian
No se banca más. Testimonio de Luis Machín. Por Leni González
El actor y el público. Entrevista con Osmar Núñez. Por Ana Durán
Cuestión de oficio. Testimonio de María Onetto. Por Sonia Jaroslavsky
El pasado. Por Malala González
Diez años. Por Karina Mauro
Los nuevos críticos. Por Gabriel Peralta
Agencias de prensa. Por Natalia Laube
Producción. Por Andrea Hanna
Producción ejecutiva. Por Gustavo Schraier
Teatro comunitario. Por Edith Scher
Teatro postdramático. Entrevista con Hans-Thies Lehmann
El glosario glosaria (por un grupo de sátrapas)

Texto publicado: Los talentos, de Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu

Funámbulos 32

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Mon, 04 Apr 2011 16:42:00 +0000

Editorial. Por Ana Durán y Federico Irazábal
Teatro sin sombra. Por Federico Irazábal
El sujeto espectador. Por Ana Durán y Sonia Jaroslavsky
El público. Por Marcelo Urresti
Del off al comercial. Por Malala González
El off. Primera parte. Por Mónica Berman
El off. Segunda parte. Por Lucho Bordegaray
La actuación como obra de arte. Por Karina Mauro
Lo que vendrá. Por Mónica Berman, Malala González y Sonia Jaroslavsky

La serenidad del lenguaje. Por Ignacio Apolo
Suerte que está por venir. Texto teatral de Isabel Sala

Dónde se consigue

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Wed, 20 Oct 2010 20:37:00 +0000

FUNAMBULOS se consigue en

C.C. de la Cooperación. Av. Corrientes 1543. 4371-4706.
ElKafka, espacio teatral. Lambaré 866. 4862-5439
Librería Ávila. Alsina 500. 4331-8989
Salort, librería teatral (Teatro San Martín). Av. Corrientes 1531
En los kioscos de diarios y revistas de la Avenida Corrientes
Y en La Plata: La libroteca, Calle 3 Nº 1415. (0221) 483-7898

La revista

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Mon, 05 Apr 2010 14:44:00 +0000

Funámbulos nació como una revista tabloide de distribución gratuita bajo el lema: Los viudos de la certeza. Por entonces tenía como propósito cubrir y reflexionar acerca de la movida del teatro y la danza off de Buenos Aires que rara vez aparecía en los medios. A partir del número 8, empezó a publicar obras pensadas para la escena sin escritura previa. Con el transcurrir de los años y de las ediciones y a medida que el teatro mismo iba modificándose, sentimos la necesidad de ampliar la mirada y dejar de ser los viudos de la certeza para observar al teatro desde la cultura, ampliando para ello el perfil profesional de nuestros colaboradores. Desde entonces y durante 31 números (en doce años) publicamos una gran cantidad de obras que hoy son consultadas y estrenadas en todo el país.

Funámbulos Nº 31

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sun, 04 Apr 2010 21:20:00 +0000

Público. Platea. Espectador. Lector. Intérprete. Y vaya uno a saber cuántos nombres más ha recibido a lo largo de la historia de nuestra cultura este sujeto a veces presente y otras ausente del sistema de producción artístico. Encima, aquellos que nos dedicamos al teatro debemos cargar con esa verdad de perogrullo que sostiene que sin platea no hay teatro. En este número de Funámbulos sentimos la necesidad, tal vez por primera vez en nuestra historia, de pensar qué es lo que está pasando por ese lado. ¿Qué piensan los creadores sobre su relación con el público? ¿Crean pensando en que cierto día habrá algún sujeto allí ubicado para mirar desde un determinado punto aquel objeto que está produciendo? ¿Se tiene en cuenta el gusto y los modos de leer? ¿O se ignora todo eso y se hace lo que cada uno quiere construyendo idealmente un lector que sin necesidad de que exista concretamente se convierte, en tanto imagen espectral, en alter ego de ese creador que lo constituye.

EDITORIAL

Teatro y sociopolítica. Edith Scher y Malala González.
Entrevista: 2 preguntas a 11 creadores. I. Apolo, A. Binetti, M. Bustamante, G. Cacace, M. Flores Cárdenas, J.P. Gómez, S. Loza, M. Minino, H. Morán, L. Panno y M. Savignone.
Modelo de espectador. Mónica Berman
El espectador público. Sonia Jaroslavsky y Ana Durán
Teatros públicos. Pedro Agost
Por qué salir de casa. Ana Durán
Reconocer al otro. Diálogo con Guillermo Calderón, por Federico Irazábal.
Desde las salas. Gabriel Peralta y Lucho Bordegaray.
La imposibilidad. Diego Braude.

TEXTOS INÉDITOS

Invitación a leer. Alejandro Tantanian
Arrogancia y embriaguez. Guillermo Fernández

Funámbulos Nº 30

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sat, 06 Mar 2010 00:44:00 +0000

El segundo número de Funámbulos se pregunta por las nuevas generaciones, los maestros y el parricidio que, aparentemente, no está teniendo lugar en una cartelera que estrena unos 500 espectáculos al año.
Opinan Rafael Spregelburd, Mauricio Kartun, Rubén Szuchmacher y Ricardo Bartis en su rol de maestros y representando a las nuevas jóvenes generaciones: Mariela Asensio, Bernardo Cappa, Elisa Carricajo, Mariana Chaud, Cristian Drut, Matías Feldman, Alfredo Ramos, Matías Umpiérrez y Ciro Zorzoli.
Además, cómo están configuradas las “nuevas plazas” macristas, hacia dónde migraron los artistas de circo, más sobre la formación del actor (investigamos qué piensan los alumnos de la EMAD y la ENAD), más sobre el dinero en el teatro independiente y publicamos “Pudor en animales de invierno”, texto inédito breve de Santiago Loza.

Más páginas, tapa color y las colaboraciones de: Diego Altabás, Mónica Berman, Lucho Bordegaray, Sonia Jaroslavsky, Natalia Laube, Gabriel Peralta, Daniel Rubinsztejn, Edith Scher, Ana Durán y Federico Irazábal.

ÍNDICE

Papá querido. Ana Durán y Federico Irazábal
Cuesta salir de casa. Ana Durán, Natalia Laube y Edith Scher
La ruptura que no llega. 4 preguntas a M. Asensio, B. Cappa, E. Carricajo, M. Chaud, C. Drut, M. Feldman, R. Paula y A. Ramos
El teatro que se usa ahora. Mauricio Kartun
El pobre producto. Entrevista con Rafael Spregelburd
Huele a parricidio. Entrevista con Ricardo Bartis
Una escena boba. Entrevista con Rubén Szuchmacher
Lo nuevo no es un valor en sí. Entrevista con Elsa Drucaroff
Un maestro, un trastorno. Daniel Rubinsztejn
El precio de vivir 2. Gabriel Peralta
El actor y su oficio. Mónica Berman y Lucho Bordegaray
Las nuevas plazas. Diego Altabás
Lo que vendrá. Sonia Jaroslavsky

TEXTOS INÉDITOS

El teatro de lo escondido. Mauricio Kartun.
Pudor en animales de invierno. Santiago Loza

Funámbulos Nº 29

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sun, 10 May 2009 13:05:00 +0000

A partir del 15 de Mayo, podrás encontrate con una nueva edición de nuestra revista, totalmente renovada en su imagen y en sus contenidos. Con un formato pequeño y con más páginas, la nueva Funámbulos seguirá abordando las problemáticas del quehacer teatral porteño, pero con una ampliación en la mirada ya que hemos incorporado nuevos colaboradores: Juan Ignacio Crespo, Diego Altabás, Diego Braude, Lucho Bordegaray, Karina Mauro, Gabriel Peralta, Mercedes Halfon, Edith Scher y Natalia Laube, que se suman a las habituales colaboraciones de Sonia Jaroslavsky y Mónica Berman.

ÍNDICE

Editorial
De regreso. Ana Durán y Federico Irazábal
Después del temblor. Sonia Jaroslavsky y Mercedes Halfon
Sendas estrechas. Lucho Bordegaray
El precio de vivir. Gabriel Peralta
El invitado ausente. Ana Durán
El actor y su oficio. Karina Mauro
En primera persona. Natalia Laube
Lejos del unplugged. Mónica Berman
El centro del margen. Juan Crespo

TEXTOS INÉDITOS

La propia voz. Marcelo Bertuccio
Lidia. Ignacio Santillana
Pica pica bajada cordón. María Verónica McLoughlin

28 - Relaciones peligrosas II

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sun, 01 Jul 2007 14:57:00 +0000

Mercado y producción. Una extraña pareja que las últimas elecciones porteñas obligan a pensar bajo otra luz.

Índice

Bio editorial
Otra vez en la cuerda, por Federico Irazábal
Sueños y pesadillas, por María Pía López
El sueño de llegar, por Mónica Berman
Desde los bordes, por Sonia Jaroslavsky
"Un sujeto para un objeto", entrevista a Mauricio Kartún por Ana Durán
Los mil rostros de la crítica, por Federico Irazábal
Los sueños industriales de la cultura, por Ezequiel Ipar
... hecha la trampa, por Hugo Salas
Las fisuras del círculo, por Ale Cosín

Textos de teatro

Merecer el sustantivo, entrevista a Romina Paula por Sonia Jaroslavsky
Algo de ruido hace, de Romina Paula
Zona libros
A vuelo de pájaro, por Ana Durán
Argentores
Zona crítica: La piojera, Acaso crezca desde el suelo..., Ambulancia, Bloqueo, Y nada más, Suerte, Ciudadela, La casa Alba o la otra orilla del mar, El trompo metálico.

27 - Relaciones peligrosas

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Mon, 01 Jan 2007 16:15:00 +0000

Arte y Mercado. Una mirada profunda sobre lo que el arte suele olvidar: su propia materialidad.

Índice

¿Sólo un intento?
Desde la cuerda, por Federico Irazábal
El Fabricante de cultura, por María Pía López
Crónicas, por Federico Irazábal
La televisión alteró al mercado, entrevista a Kive Staiff por Ana Durán
Pasión por la independencia, por Mauricio Kartun
La desarticulación de un sistema, por Rubén Szuchmacher
Sobre la infancia, entrevista a Alejandra Correa por Ana Durán
Hecha la ley..., por Hugo Salas
Panorama de la danza, por Ale Cosín

Textos de teatro

Una estética de la provocación, por Mónica Berman
Mujeres elefante, de Adrián Israel Caetano y J. María Muscari
Zona libros
Formación en dramaturgia, entrevista a Luis Cano por Federico Irazábal
Zona crítica: Un niño ha muerto, Bacantes, Rétame, Zárate, Hic Et Nunc (aquí y ahora).

26 - La mirada crítica

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sat, 01 Jul 2006 17:49:00 +0000

Nunca se lee en el vacío. El arte, como un espejo invertido, refleja el mundo desde el cual lo miramos.

Índice

¿Tomar distancia?
Puntos de vista, por Ana Durán
¿Desde dónde vemos?, por María Pía López
El dueño del canon, por Federico Irazábal
Teoría y gusto, por Mónica Berman
¿Cómo poner lo real en escena?, por Julia Elena Sagaseta
Noticias de Rusia, entrevista a José Luis Fernández por Mónica Berman
Un corte, por Daniel Rubinstejn
Un balbuceo del arte, por Miguel Dalmaroni
Momentanea suspensión de la duda, diálogo entre Enrique Pezzoni y Alberto Girri
¿Más o menos teatro?, entrevista a Lautaro Vilo por Ana Durán

Textos de teatro

Cáucaso, de Lautaro Vilo
Teatro y Tecnología, por Federico Irazábal y Ana Durán
Juego de espejos, por Federico Irazábal
Volver a Discépolo, por Federico Irazábal y Ana Durán
Zona crítica: Woyzeck, Quartett, Tres filósofos con bigotes, Un amor de Cahajarí, Crave, El vuelo, Emily, La luz interior, Un momento por favor..., Sin querer

Insert. La joven guardia. El teatro que se viene bajo la óptica de periodistas que investigan sobre el tema

25 - 10 Años

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sun, 01 Jan 2006 19:23:00 +0000

O sobre cómo sostener un sueño en difícil equilibrio sobre una soga a gran altura pero disfrutando del vértigo y del camino.

Índice

Crónica de un Funámbulo
La otra angustia, por María Pía López
Mostrar lo que no hay, por Mónica Berman
El padre omitido, por Daniel Rubinstejn
Poema, por Alejandra Correa
Venidos a menos, por Hugo Salas
Los nuevos bulos, por Federico Irazábal
Hacia la derrota, por Juan José Santillán
Familia a-normal, por Guillermo Korn
Cómo pertenecer, entrevista a Horacio Tarcus por Ana Durán y Federico Irazábal
Hacer en la ciudad, por Ale Cosín
Todos pierden, entrevista a Claudio Tolcachir por Juan José Santillán y Ana Durán

Textos de teatro

La omisión de la familia Coleman, de Claudio Tolcachir
Mundo germano, por Federico Irazábal
Zona crítica: Harina, Parece algo muy simple, Alguien boca arriba, El 3340, con humos de cabaret.

24 - La gloria que no fuimos

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Fri, 01 Jul 2005 18:51:00 +0000

Como las otras artes, el teatro se nutre de los mitos sociales, los incorpora y reelabora, para devolverlos a la sociedad con una mirada crítica, ácida o reflexiva acerca de quiénes somos.

Índice

Lo que devuelven los espejos, por Ana Durán
Según cómo se mire, entrevista a Horacio González por Federico Irazábal
Tres reescrituras, Leónidas Lamborghini, Daniel Verones y Osvaldo Bayer
Para volver a narrar, por María Pía López
Tomar la palabra, por Daniel Rubinstejn
Qué literatura para qué proyecto nacional, por Federico Irazábal
Danzas rituales, por Ale Cosín
Cómo ser de acá, entrevista a Ricardo Bartís por Ana Durán
Arte nacional, por Mónica Berman

Textos de teatro

De mal en peor, dramaturgia de Ricardo Bartís
Zona libros
Zona Crítica: V Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires, Decidí canción, Hotel Melancólico, Luz de mañana en un traje marrón, No me dejes así, Pequeñas torturas cotidianas, Si dos personas se aproximan.

Informe: Germanos

Palabra de gestor, entrevista a Matthias Lilienthal por Federico Irazábal
Casi un reo, por Tanja Olbrich
Castorf. El exceso, por Silvia Fehrman
Sobre euros y show, por Federico Irazábal
Político incorrecto, entrevista a Schliengensief por Tanja Olbrich y Federico Irazábal

23 - La presencia del cuerpo ausente

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Sat, 01 Jan 2005 20:28:00 +0000

Si la tragedia es imposible de capturar, la tele mediatiza una supuesta "verdad" y el cuerpo está ausente en la era de la tecnología, ¿qué lugar ocupa la "mentira" del teatro? Si todo es actuación, ¿qué rol les queda a las artes representativas?

Índice

La presencia del cuerpo ausente, por Ana Durán
Las trampas de la representación, entrevista a Esther Díaz por Federico Irazábal
El género perdido, por Mónica Berman
La noble mentira, entrevista a Daniel Veronese por Ana Durán
Las Tellas, entrevista a Vivi Tellas por Federico Irazábal
El enorme simulacro, entrevista a Rubén Szuchmacher por Federico Irazábal
Agujerear la representación, por Daniel Rubinstejn
Conexiones, por María Pía López
La curva pornográfica, por Christian Ferrer
Una cámara ahí, entrevista a Bernardo Cappa por Ana Durán
Cuestión de piel, por Ale Cosín
Derecho de admisión, por Alejandra Correa
Virtual e inmersivo, entrevista a Oliver Grau por Alejandra Corre
Artes y nuevas tecnologías, opinan Horacio Zabala, Graciela Taquini y Augusto Zanella
Autores con y sin red, por Cecilio Raimondi

Textos de teatro

El nombre de la tragedia, por Mónica Berman
Proceso creativo, por Agustina Gatto
A Mamá. Variaciones sobre un tema trágico, Dirección de Guillermo Cacace
Pobres chicas!, por María Pía López
Zona crítica: Electra Shock, la blasa de la Medusa, Los Reyes, Fiore di Merda, Llanto de perro, Anfitrión, Las amaro, Besitos de coco.

22 - El Mal-Estar

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Thu, 01 Jul 2004 20:01:00 +0000

Fundamentalismos, crímenes y monstruosidad bajo todas las formas posibles signaron el siglo pasado e inauguraron el presente. En ese contexto, el teatro toma posición como una forma de ver el mundo. Aun a su pesar.

Índice

Teatro, monstruosidad y mundo, por Ana Durán
Pienso, luego extermino, entrevista a Eduardo Grüner por Federico Irazábal y Ana Durán
Tragedia, crueldad y muerte, por Mónica Berman
Para sabotear al espectador, entrevista a Emilio García Wehbi por Federico Irazábal
Cómo adormecer al soberano, por Alejandro Tantanian
El cuerpo de los desclazados, por Julia Elena Sagaseta
A dios rezando..., entrevista a Rafael Spregelburd por Ana Durán
Una de villanos, por Federico Irazábal
Nocivo y maligno, por Daniel Rubinstejn
Cuestiones de ética y estética, por Ale Cosín
Fuera de control, por María Pía López
En el nombre del padre, por Fabrizio Zotta

Textos de teatro

Una estética de la provocación, por Mónica Berman
Criaturas de aire, de Lucía Laragione. Versión de L. Cáceres
Civilización y barbarie, entrevista a Luciano Cáceres por Sonia Jaroslavsky y Ana Durán

21 - De memoria

noreply@blogger.com (Funámbulos) — Thu, 01 Jan 2004 21:33:00 +0000

Es campo de conflictos ideológicos y políticos. Cuando se ocupa del pasado histórico, tiende a escribir su fábula. En ese proceso ¿cuál es el rol del arte en general y del teatro en particular? ¿repetir la moraleja o dinamitarla?

Índice

Dime qué recuerdas..., por Ana Durán
Políticas de la memoria, por Alejandra Correa
Olvidos, por María Pía López
Paradojas del retorno, por Daniel Rubinstejn
Saber de nuevo, por Federico Irazábal
País empantanado, por Federico Irazábal
Resistencia... a tocar el tema, por Ana Durán
El registro imposible, por Mónica Berman
El cuerpo reflexivo, por Alejandra Cosín
El cine como vector, por Mariana Amieva, Gabriela Arreseygor, Raúl Finkel y Samanta Salvatori
Todos somos rubios, por Alejandra Correa
La memoria como fisura. Encuesta

Textos de teatro

El contra-biodrama, por Ana Durán
La forma que se despliega, de Daniel Veronese
El camino de la ausencia, por Mónica Berman
Lo que vendrá
Lecturas escénicas
Última página, por Luis Cano